Felipe Gorriti

Felipe Gorriti y Osambela (n. Uharte-Arakil, 23 de agosto de 1839 -  † Tolosa, Guipúzcoa, 12 de marzo de 1896). Maestro de capilla, organista y compositor.

Felipe Gorriti y Osambela. Archivo Municipal de Uharte Arakil

De su padre, compositor y organista que además impartía clases de órgano y violin y dirigía la orquesta de la parroquia, recibió la primera formación musical y con tan solo 11 ó 12 años le envió a Tafalla (Navarra) para formarse con el maestro de capilla José Preciado.

Más tarde, amplíaría sus conocimientos de piano y armonía con Mariano García, maestro de capilla de la catedral de Pamplona y también recibió las enseñanzas de Cándido Aguayo, organista y maestro de capilla de Santa María de Tolosa (Guipúzcoa) En septiembre de 1856 ingresó en el Real Conservatorio de Madrid, donde estudió Órgano con Román Jimeno de Lerma y Composición con  con Hilarión Eslava, sacerdote compositor e impulsor de la reforma de la música religiosa en España.

Al concluir sus estudios, en junio de 1859, obtuvo la medalla de plata en el concurso anual que organizaba el Conservatorio. El 17 de marzo de 1859, ganó por oposición la plaza de maestro de capilla y organista de la parroquia de Santa María de Tafalla, que ocupó hasta 1867, cuando ganó por oposición la plaza de organista y maestro de capilla de Santa María de Tolosa.

A partir de su estancia en Tafalla comienza a adquirir fama, atrayendo a discípulos de los pueblos del contorno, entre los que se encontraban Apolinar Brull y Calixto Barcos. En Tafalla, además de dirigir la capilla de música y escribir algunas de sus mejores obras (Surge propera, Misa de Requiem, sonatas y otras obras para órgano, etc.), el compositor organizó la todavía incipiente banda de música. En 1860 contrajo matrimonio con Eugenia Izu, con la que tuvo cinco hijos.

En octubre de 1867 Gorriti consiguió la plaza de de organista y maestro de capilla de Santa María de Tolosa por oposición, cargo que desempeñó hasta su muerte. En la parroquia de Santa María contaba para la interpretación de sus obras religiosas con una capilla formada por 28 músicos entre cantantes masculinos e instrumentos de cuerda y viento. Así mismo, en Tolosa se dedicó a la dirección de la banda de música y a la enseñanza, contándose entre sus discípulos compositores destacados como Vicente Goicoechea o Eduardo Mocoroa, quien sería además su sucesor a su muerte. Está enterrado en su villa natal.

Gorriti acompañando al armonium a cuatro cantores. (Archivo Municipal de Tolosa).

Como intérprete fue uno de los grandes organistas de su época. También hay que resaltar su influencia en la implantación de la organería romántica francesa en el país. Se dice sobre sus interpretaciones pianísticas de Beethoven que trajeron al pintor Toulouse-Lautrec a Tolosa en seis ocasiones.

Gorriti se presentó en los años 1881 a 1883 a los concursos convocados mensualmente por la Société Internationale des Organistes et Maîtres de Chapelle en París, estando entre el jurado músicos de la talla de C. Franck, Dubois, Gigout y Guilmant. En estas competiciones obtuvo cuatro primeros premios y tres primeras menciones (octubre de 1881, primera mención con Plegaria para gran órgano; noviembre de 1881, primer premio con Sub tuum proesidium para soprano o tenor y órgano; marzo de 1882, primera mención con Inviolata, motete para tres voces mixtas y órgano; mayo de 1882 primera mención con O salutaris para solo de soprano o tenor y órgano; junio de 1882, primer premio por unanimidad y con felicitación del jurado, con la Marcha fúnebre para gran órgano; agosto 1882, primer premio, con Cinco versos para el Magnificat; julio 1883, primer premio con elSanctus a cuatro voces mixtas y órgano), por lo que el jurado le rogó que en adelante presentara sus obras fuera de concurso con el fin de no desanimar a los demás participantes.

Muchas de sus composiciones, unas 240, son sacras: Misas, Misereres, Piezas de órgano para la liturgia, etc. evolucionando desde un formalismo estético hacia un romanticismo más complejo. De entre su producción hay que destacar la Misa en Do, compuesta para la inauguración en 1885 del órgano Stolz Frères de Santa María de Tolosa; la Misa en Re para voces blancas, para la inauguración del órgano del convento de Santa Clara de Tolosa en 1889; los conocidos comoMiserere “Viejo” y Miserere “Grande”; los motetesSurge propera, para coro, solo de tenor y orquesta de cuerda y Sub tuum proesidium, para tenor o soprano y órgano; Ecos de Andía, composición escrita para un concurso de orfeones en Pamplona en 1894; Agur Jesusen Ama, famosísima canción dedicada a la Virgen;Sonata en Re y Sonata en Fa, Cinco versos sobre el Magnificat y Marcha fúnebre en Do menor, todas ellas para órgano; etc. Además, destacó por su gran habilidad como improvisador y por su dominio de la técnica del órgano, instrumento para el que compuso las primeras obras románticas en España.

Entre sus alumnos debemos destacar al siempre inspiradísimo Vicente Goicoechea.

Felipe Gorriti y Osambela

Otro motivo de interés en la figura de Gorriti reside en su importante papel en la difusión de la música en Tafalla y Tolosa mediante las bandas de música, así como en la educación de nuevos músicos, tanto a través de la formación de futuros grandes compositores como con la creación de una escuela de música en la localidad guipuzcoana.

En su memoria y honor el Ayuntamiento de Pamplona dio su nombre a una calle del II Ensanche de la ciudad: la calle de Felipe Gorriti

Obras

Música religiosa: 13 misas; 3 misas de réquiem; 7 piezas del oficio de difuntos; 7 misereres; 6 antífonas; 3 arias; 8 canciones a la Virgen en castellano y vascuence; 15 piezas de devoción (gozos, novenas y septenarios); 2 graduales; 8 himnos; 6 lamentaciones; 2 magníficat; 20 motetes; 2 pasiones, 6 rosarios y letanías; 3 salmos; 4 secuencias; 6 tercetos para la Bendición de los Ramos; 13 villancicos; 4 zortzikos de Navidad.

Obras para órgano: 10 elevaciones; 5 versos; 4 ofertorios; 2 marchas fúnebres; 2 sonatas

Obras profanas: 10 obras corales; 7 obras para banda; 6 obras para piano; 3 obras para canto y piano; 5 obras de música de cámara; 1 obra teatral.

Bibliografía

• ARZAC, Antonio. “Apuntes necrológicos. Felipe Gorriti y Osambela”. En: Revista bascongada Euskal-Erria, t. XXXIV, nº 569. 30 de abril de 1896; pp. 371-374.
• BELLO-PORTU, Javier. “Felipe Gorriti en París”. En: Homenaje a Don Julio de Urquijo e Ybarra, número extraordinario del Boletín de la Real Sociedad Vascongada de Amigos del País, tomo III. San Sebastián: Museo de San Telmo, 1950; pp. 145 – 153.
• ELIZONDO IRIARTE, Esteban. “Felipe Gorriti, figura clave en la transición del Barroco al Romanticismo en la música española para órgano”. En: Revista de Musicología, vol. XVII, nº 1. Madrid: Sociedad Española de Musicología, 2004; pp. 357 – 378.
• GARCILASO [Raimundo García]. “Traslación de los restos de Gorriti. De Tolosa a Huarte-Araquil. 11 de abril”. En: El Eco de Navarra, 12 abril 1907, pp. 1 – 2.
• MORENO MORENO, Berta. “Aproximación a la música religiosa de Felipe Gorriti: las misas de Requiem“. En: Revista de Musicología, vol. XX, nº 1. Madrid: Sociedad Española de Musicología, 1997; pp. 589 – 603.
• MORENO MORENO, Berta. “Felipe Gorriti: maestro de capilla de Tafalla (1859 – 1867)”. En: Actas del IV Congreso de Historia de Navarra II. Pamplona: SEHN, 1998; pp. 431-441.
• MORENO MORENO, Berta. “Precedentes del Motu Proprio en la música religiosa de Felipe Gorriti”. En: Revista de Musicología, vol. XVII, nº 1. Madrid: Sociedad Española de Musicología, 2004; pp. 179 – 194.
• MORENO MORENO, Berta. “La vida musical de Tafalla (Navarra) en la época de Felipe Gorriti (1859-1867)”. En: GEMBERO USTÁRROZ, María (ed.), Estudios sobre música y músicos de Navarra, volumen monográfico de la Revista Príncipe de Viana, nº 238. Pamplona: Príncipe de Viana, mayo-agosto 2006; pp. 561-576.
• NAGORE FERRER, María. “Gorriti Osambela, Felipe”. En: CASARES RODICIO, Emilio (dir.), Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana, vol. 5. Madrid: SGAE, 1999; pp. 795 – 796.

Agustín Castellón «Sabicas»

Agustín Castellón Campos (n. Pamplona, 1912 - †  Nueva York, 14 de abril de 1990), conocido como Sabicas, fue un guitarrista español, considerado maestro de la guitarra e impulsor de la internacionalización del flamenco.

Sabicas en Buenos Aires, 1939

Inicios

Bautizado como Agustín Castellón Campos, el futuro músico nació en la pamplonesa calle Mañueta, en una fecha que se reservó para sí y durante su infancia vivió en ésta, en la de Jarauta (en el Casco Viejo de la capital Navarra), y en la cercana localidad de Villava.

Comenzó a tocar la guitarra a la edad de cuatro años, cuando un tio suyo le enseño dos acordes y esa noche se quedó sin dormir practicando, por lo que sus padres le compraron una guitarra por 17 pesetas. Actuó por primera vez dos años más tarde, con siete años de edad, en un festival organizado en Pamplona con motivo de la ceremonia de la jura de bandera de los soldados.

Nacido en una familia muy humilde su apodo proviene según el de que: “De chiquito, aquí, en Madrid, mi mamá mandaba a la criada a la compra, y cuando venía yo metía la mano en la cesta y sacaba las habas y me las comía con cáscara y todo. Mi mamá me miraba: Pero, hijo mío, estás na’ más que con las habas. Te voy a poner habas, y habas, habas, habicas”

A los 10 años se traslada a Madrid y es descubierto por Manuel Bonet, causando gran sensación en la capital, pues, según testimonio del propio artista: “tocaba un fandanguillo y levantaba una mano y me quedaba con una mano sola y aquello fue una bomba”. Acompañaba a La Chelito en el Teatro Eldorado. Pronto destacó en los ambientes flamencos y entre 1920 y 1930 se dedicó a recorrer toda España con diversos espectáculos.

Su estilo inicial estaba influido por el guitarrista Ramón Montoya. Su extensa colaboración con importantes cantaores (cantores de música flamenca) de la época le ayudó a desarrollar un estilo único.

Exilio

Abandonó España en 1936 durante la guerra civil española, exiliándose en América del Sur con la bailaora Carmen Amaya. Ambos realizaron juntos varias giras. Recorrió Latinoamérica y Estados Unidos durante veinte años. Entre 1950 y 1955 se instaló en México y posteriormente en Nueva York. No regresó por primera vez a España hasta 1967 y siempre que lo hizo fue brevemente..

Recibió diversos premios, homenajes y distinciones: en 1967 se le concedió la Medalla de Oro de la Semana de Estudios Flamencos de Málaga. También el Premio Nacional de Guitarra Flamenca de la Cátedra de Flamencología y Estudios Folklóricos Andaluces de Jerez de la Frontera (Cádiz), el Premio de Radio Nacional de España en 1971 y varios discos de oro. En 1982 se le tributó un homenaje en Pamplona que culminó con un concierto en el Teatro Gayarre.

El éxito internacional no le impidió estar presente en los grandes momentos del flamenco, como lo fue la I Cumbre Flamenca de Madrid que tuvo lugar en el Teatro Alcalá, o en la IV Bienal de Arte Flamenco de Sevilla (1986). Otro concierto inolvidable fue el que ofreció en el Teatro Real de Madrid el 15 de mayo de 1987.

En el “Carnegie Hall” de Nueva York se le tributa lo que sería su último homenaje el 10 de junio de 1989, falleciendo en esa ciudad al año siguiente a los 88 años.

Como compositor escribió, entre otros, el concierto titulado Gipsy Concert, estrenado póstumamente en Córdoba en 1993 por el guitarrista Rafael Riqueni y la Orquesta de Córdoba.

Grabó más de cincuenta discos de flamenco, en solitario o acompañado de otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla, Enrique Morente, o junto a otros músicos, de jazz como Joe Beck, con quien registró el disco titulado Rock Encounter (1970). Sus experimentos tuvieron continuidad en el disco The Soul of Flamenco and the Essence of Rock (1971).

Por expreso deseo suyo, está enterrado en el cementerio de Pamplona.

Retrato de Sabicas

Estilo e importancia

Sabicas, que obtuvo varios discos de oro, tuvo gran importancia en la introducción del flamenco a públicos de fuera de España y del resto del mundo hispanohablante y abrió nuevos caminos a los guitarristas de los años cincuenta y sesenta. Fue un innovador de técnicas, como los picados en los bordones de la guitarra, la técnica del alzapúa y los arpegios, que incluían todas las cuerdas. Supo acercar su música a un público ajeno al flamenco y adaptó numerosos temas populares españoles y sudamericanos que tuvieron gran eco en las grabaciones realizadas con Mario Escudero en Estados Unidos.

Más tarde, diría en una entrevista:

«La guitarra flamenca no se había tocado nunca nada más que en España, y no todo el mundo, muy poquita cosa. Entonces, desde que salieron mis discos, en los últimos treinta años, la gente se aficionó a la guitarra flamenca en cualquier lado del mundo.»

Sabicas, debido a sus múltiples influencias en el estilo de ejecución de la guitarra flamenca, no se reconocía seguidor de ninguna escuela de guitarra y de ninguna influencia. Por ello, llegó a afirmar:

«No he tenido en mi vida maestros. Prueba de ello es que tengo un hermano al que no he podido ponerle nunca ni una sola variación. No sé enseñar, por eso no doy lecciones, porque a mí nunca me enseñó nadie. No sé por dónde se empieza. No sé música.»

Como ejecutante, Sabicas marcó un punto de inflexión en la técnica de ejecución de la guitarra flamenca al introducir nuevos conceptos en la ejecución, destacando por su velocidad y limpieza de ejecución y por su técnica de la mano derecha^{[1] [2]} [3]

“Ciertamente, sin Sabicas la guitarra flamenca no sería hoy lo que es. En su tiempo hizo una revolución que dejó estupefactos a los entendidos. Aportó soluciones técnicas tremendamente complicadas, de enorme dificultad, jamás inventadas por nadie antes. A la vez, un raro sentido de la capacidad ex presiva del instrumento le llevó a componer música de inédita belleza, a la, que sus predecesores apenas se habían aproximado.” (Artículo de “El País”[4] )

Discografía Parcial

• Flamenco on fire
• Fiesta flamenca
• Queen of the gypsies (con Carmen Amaya)
• ¡Flamenco! (con Carmen Amaya, 1972)
• Flamenco puro (1961)
• Flamenco styles on two guitars (con Mario Escudero)
• The fantastic guitars of Sabicas and Escudero
• Recital de guitarra flamenca (vol. 1,2,3)
• Fantastic guitars (con Mario Escudero)
• From the Pampas to the Rio Grande (con Mario Escudero)
• Festival gitana (con Los Trianeros)
• Sabicas, Volúmenes 1-3
• El rey del flamenco
• Soul of flamenco
• Flamenco reflections (EP)
• Rock encounter (con Joe Beck)
• Flamenco fantasy
• Flaming flamenco guitar
• Flamenco virtuoso
• Nueva York / Granada (con Enrique Morente) (1990)
• Sixteen immortal performances
• Solo flamenco
• El duende de la guitarra flamenca
• The art of the guitar
• Tres guitarras tiene Sabicas
• Flamenco histórico

Referencias

1. ↑ [1] Artículo en “El País” a su fallecimiento
2. ↑ [2]Niña de la Puebla y el guitarrista Pepe Montoya hablan sobre Sabicas.

Enlaces externos

• Youtube dispone de videos de alguna de sus actuaciones: [5] [6] [7] [8]

Francisco Carrascón Aguado

Francisco Carrascón Aguado (n. Tudela, 3 de diciembre de 1876 — † Madrid, noviembre de 1936), fue un compositor y organista.

Retrato de Francisco Carrascón

Biografía

Fue el penúltimo hijo de una familia con diecisiete. Enviado de niño al seminario de Tudela, destacó en los estudios de música. Tras abandonar los estudios eclesiásticos se dedicó plenamente a los musicales. Inicialmente recibió clases de piano, órgano, armonía y composición del maestro de capilla de la catedral tudelana.

Hacia 1900, se trasladó a Madrid, en cuyo Conservatorio Nacional obtuvo los correspondientes títulos oficiales de las diversas disciplinas musicales.

En 1910 contrajo matrimonio en Madrid con doña Pilar Ruíz, hija del catedrático de oboe del Conservatorio D. Fermín Ruiz Escobés , con quien tuvo dos hijos: Guillermo y Ricardo.

Maestro y Organista

Fue profesor del Conservatorio Nacional durante varios años mientras ejercía la actividad organística, instrumento en el que llegó a ser un consumado maestro. Fue organista, por oposición, de la iglesia del Buen Suceso así como también de la parroquia de la Santa Cruz y de la del Santísimo Cristo de la Salud, todas ellas en Madrid. En este último templo las misas dominicales de doce en las que él tocaba constituían verdaderos conciertos en los que dio a conocer obras de César Franck, Vincent d’Indy, André Gedalge y otros compositores aún poco conocidos en España y totalmente desusados, entonces, en estos actos religiosos.

Ejerció la docencia musical en el Colegio de Santa Cristina y en el de Las Damas Negras, de Madrid. Tuvo, igualmente, discípulos particulares entre los que figuraron don José Eugenio de Baviera, posteriormente académico y presidente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y su hermana doña Mercedes, Princesa de Bagration, hijos ambos de la Infanta Dª. María Teresa de Borbón. Fue también profesor de solfeo, siendo éste niño, de Fernando Remacha, por tres veces Premio Nacional de Música

Fue igualmente organista de la Compañía de Ópera del Teatro Real de Madrid, trabajando como Maestro Concertador junto a D. Manuel Mira durante las temporadas 1919-20, 1920-21 y 1921-22.^[1]

Compositor

Como compositor de música religiosa dejó una Missa dominicalis para coro y órgano, una Salve a tres voces y órgano, tres Motetes y tres Tamtum Ergo para coro y órgano, Memorare a cuatro voces y órgano, y, como obra más conocida, una Missa pro defunctis para cuatro voces y orquesta u órgano que, durante muchos años se interpretó en los solemnes funerales que, cada 28 de febrero, se celebraban en el Monasterio de El Escorial en sufragio de los reyes de las dinastías españolas.^[2]

Francisco Carrascón murió fusilado en Madrid, en noviembre de 1936, y se desconoce dónde reposan sus restos.

Notas

1. ↑ Manuel Mira en su primer centenario
2. ↑ En los ficheros de la Biblioteca del Congreso de los EE.UU. (Control No.: 7705841) está registrada una “patraña lírica en un acto” titulada “Los Mendigos” cuyo autor es Ignacio Busca de Sagastizábal y en la que figuran como co-autores José Dominguez Manresa y Francisco Carrascón. No se tiene ninguna otra referencia de esta obra.
   Se puede consultar libremente esta partitura en la página web de la Familia Busca http://www.telefonica.net/web2/alvarobusca/MUSICA.htm

Manuel Turrillas

Manuel Turrillas Ezcurra (n. Barásoain, 1 de enero de 1905 – † Pamplona, 20 de octubre de 1997), compositor y uno de los más conocidos autores de música para banda en Navarra.

Se inició en la música a los ocho años en la banda de su pueblo, tras haber aprendido a solfear con con Manuel Rodero, organista de la iglesia, y clarinete con Manuel Villar.

Retrato de Manuel Turrillas.

A los 20 años se trasladó a vivir a Pamplona y de inmediato ingresó mediante oposición en la banda “La Pamplonesa” como clarinete primero, permaneciendo en ella hasta 1979. En Pamplona estudió armonía y composición con los profesores Eleuterio y José María Munárriz.

En 1934 unos músicos de Puente la Reina le pidieron una obra de carácter popular; unió la biribilketa o marcha vasca en compás de seis por ocho con la jota de la Ribera, que gustó mucho tanto a quienes la habían encargado como a cuantos la escuchaban. Este fue el principio de su carrera de compositor de música netamente navarra, con la que habría de alcanzar gran popularidad, sobre todo por sus pasacalles.

Era una de las personalidades más relevantes de la música popular de Navarra. Conocido como el “maestro Turrillas”, muchas de las composiciones populares en los Sanfermines proceden de su pluma: El primer cohete, Clarín de fiestas, Alegría sanferminera… Además, es autor de los himnos para las peñas más conocidas: Aldapa, Anaitasuna, La Jarana, Muthiko, Oberena. De Manuel Turrillas es también el canto que los mozos, periódico en mano, entonan antes del encierro y que se ha hecho popular por las retransmisiones televisivas: A San Fermín pedimos por ser nuestro Patrón….

En el concurso de Radio Popular titulado «Canción de los Sanfermines», en 1968, Turrillas llevaba logrados tres premios por sus canciones Colorín, Alegría Sanferminera y Pamplona por San Fermín, ésta con letra de Baldomero Barón Rada. Grabó en disco más de treinta de sus composiciones con «Los Iruña’ko», los hermanos Anoz, los hermanos Olaverria y «Los Pamplonicas». Sus mayores éxitos fueron Oberena, El bullicio, Aldapa, Chantreana, Navarrerías, Radio Falces y La Feria del Toro.

Su labor fue más allá de los Sanfermines y, junto a numerosas auroras, pasodobles, jotas, pasacalles o zortzikos, también el himno de Osasuna es obra suya. El catálogo de su obra comprende más de 400 composiciones.

El Maestro Turrillas homenajeado por Napardi. 1992.

La Sociedad Napardi le otorgó el “Gallico de Oro” en 1992, el galardón sanferminero y popular más apreciado en Pamplona. A petición de sus compañeros, los profesores músicos de la Banda Municipal, el Ayuntamiento le concedió en 1967 el «Pañuelo de Honor», que se otorga a aquellas personas que, de diversas formas, contribuyen a dar realce a las Fiestas de San Fermín de Pamplona

En Pamplona es uno de esos personajes -como el doctor Arazuri que han marcado la vida cultural y festiva, manteniendo y creando tradiciones que dan expresión a una identidad ciudadana. Por ello, el Ayuntamiento le concedió la Medalla de Oro de la ciudad y, con posterioridad a su muerte, le dedicó una Plaza en el barrio de Azpilagaña.

Bibliografía

• Mikel Aramburu et al.: Manuel Turrillas en el centenario de su nacimiento, Pamplona: Ayuntamiento, 2005, ISBN 84-95930-19-6
• Turrillas Ezcurra, Manuel: Música regional del maestro Turrillas Pamplona, 1992. ISBN 10: 84-604-3447-8

Discografía

• Banda de música “La Pamplonesa”: Música de las peñas sanfermineras, Pamplona 2005 (recoge 12 composiciones del Maestro Turrillas)

Enlaces externos

• Don Manuel Turrillas, una vida dedicada a la música. Vídeo en Youtube.com

Juan Francés de Iribarren

Juan Francés de Iribarren Echeverría (n. Sangüesa, 1699 – † Málaga, 2 de septiembre de 1767) fue un compositor y organista español del barroco tardío. Está considerado como uno de los más grandes compositores españoles de la primera mitad del siglo XVIII.

Biografía

No se conoce con exactitud el día de su nacimiento, pero se sabe que fue bautizado el 24 de marzo de 1699 en la Iglesia de Santiago el Mayor de Sangüesa.

A los catorce o quince años marchó a Madrid donde ingresó como niño cantor en el Colegio de Niños Cantorcicos, que era la institución dependiente de la Real Capilla en la que se formaban los niños cantores. En aquella época, el director de ésta institución fue el famoso compositor y organista José de Torres, quién en 1717 le recomendó para el puesto de organista en la Catedral de Salamanca, que entonces contaba con varios órganos. Su trabajo no se limitó a interpretar el órgano, sino a sustituir al maestro de capilla Micieces, por entonces muy anciano, en sus tareas de compositor.  En éste puesto permaneció hasta 1733 y compuso sus primeras partituras, de las que sólo se conservan 18 obras. Durante los dieciséis años que ejerció en Salamanca profundizó sus estudios en Madrid con José de Torres, que ejercía de maestro en la Capilla Real. En 1733 fue ordenado sacerdote en Salamanca.

Posteriormente, en 1732, se presentó por concurso oposición a la plaza de maestro de capilla de la Catedral de Málaga, donde obtuvo el segundo puesto detrás de Manuel Martínez Delgado. Sin embargo, el fallecimiento de éste último le impidió tomar posesión de dicha plaza y el 1 de octubre de 1733, Francés de Iribarren fue nombrado maestro de capilla de la citada catedral. Allí permaneció durante 34 años hasta su muerte.

En 1741 acepta la plaza de maestro de capilla de la catedral de Valladolid pero el aumento de su dotación en Málaga en cien ducados le retuvieron en su puesto. En Málaga trabajó intensamente, componiendo un gran número de obras y reorganizando la capilla musical de la catedral. En 1737, creó el Archivo de Música, siendo hoy en día uno de los más importantes de España. Reunió en la capilla a una treintena de músicos con los que formó un conjunto barroco que intervenía no sólo en la catedral sino en otros centros religiosos de la ciudad. También compuso abundantes obras en latín y romance y donó toda su producción a la catedral.

Por problemas de salud, en enero de 1761 se le relevó de las “semanerías de Evangelio y Cetro”.  El 16 de abril de 1766 renunció a su puesto en la catedral.  Unos meses antes de morir otorgó dos poderes en la misma escribanía en la que hizo testamento: el primero concedía a su hermano Juan, la autoridad de administrar todo su patrimonio después de su muerte; el segundo es de renuncia a ciertos privilegios que aún mantenía en las parroquias unidas de Santiago y San Salvador de Sangüesa.

Falleció al año siguiente, siendo enterrado en la catedral.

Francés de Iribarren es el prototipo de compositor barroco tardío, con influencias italianas pero sin abandonar la tradición eclesiástica basada en el Siglo de Oro español. Abarcó una gran variedad de estilos. En sus primeros años abundan los recursos polifónicos propios de la estética barroca. Posteriormente eligió una mayor simplicidad, más acordes con el estilo denominado “galante”, anterior al clasicismo.

Incorporó las técnicas más depuradas y novedosas del “estilo moderno” y melódicamente se aprecia un refinamiento poco usual entre sus coetáneos. Una característica propia, que se da en muy pocos compositores contemporáneos suyos, es la utilización de varias voces para los recitativos y arias. Según Ansorena se le considera como uno de los mejores compositores de cantatas de su tiempo tanto por su originalidad, perfección y número ya que alcanzó a más de quinientas.

En sus obras polifónicas no se siente atraído por la policoralidad, al menos en el mismo grado que sus coetáneos. Es evidente su deseo de sustraerse a la decadencia de la música religiosa de su tiempo y al influjo italiano que triunfaba en la península. Se le considera como una de las principales figuras de la música europea del siglo XVIII.

Obras

Portada de una grabación de obras de Juan Francés de Iribarren

De su etapa de maestro de capilla de la Catedral de Salamanca, sólo se han conservado en su archivo 18 obras. Sin embargo, en el Archivo de Música de la Catedral de Málaga, que él mismo fundó, se han conservado alrededor de 1000 composiciones. También se encuentran obras suyas en numerosas catedrales y archivos españoles. Otras 27 obras se hallan dispersas en otros archivos -Guadalupe (Cáceres), Silos, Madrid, Capilla Real, catedral de Granada, Osuna (Sevilla), Córdoba, Las Palmas de Gran Canaria y Guatemala capital-.

Entre la gran cantidad de obras de éste compositor, tenemos (Grove):

• 521 piezas vocales en español:
  • 390 villancicos
  • 109 cantatas
  • 22 arias
• 385 piezas vocales en latín:
  • 120 motetes
  • 69 salmos
  • 39 antífonas
  • 27 misas
  • 26 lamentaciones
  • 25 himnos
  • 21 misereres
  • 19 magnificats
  • 14 secuencias
  • 6 responsorios
  • 5 invitatorios
  • 5 nunc dimittis
  • 4 Oficios de difuntos
  • 3 lecciones
  • 1 Stabat Mater
  • 1 letanía

Además compuso algunas piezas instrumentales para órgano y existen otras obras sin catalogar.

Si algún día se encuentran los manuscritos, de los que hay constancia que existieron, la producción total de Francés de Iribarren ascendería a 975 obras. En su inmensa mayoría son obras vocal-instrumentales. Sólo dejó cuatro instrumentales, que son oberturas o piezas intercaladas en sus villancicos. El autor compuso ininterrumpidamente desde 1733 hasta 1760. A partir de este año y hasta su muerte, ocurrida en 1767, sólo aparecen fechadas 28 obras.

Discografía

• 1990 – Cantatas Barrocas Españolas del siglo XVIII. Elvira Padín. Miguel Ángel Tallante. Conjunto instrumental.Ministerio de Educación y Ciencia. MEC 1017 CD. Madrid.
• 1994 – Barroco español. Vol.1. “Mas no puede ser”. Villancicos, cantatas et al.. Al Ayre Español. Eduardo López Banzo (dir.). Deutsche harmonia mundi 05472 77325 2.
• 2005 – Villancicos y Cantadas. Sacred Songs And Dances from Latin America and Spain. El Mundo. Richard Savino. Koch International Classics 7654.
• 2007 – Iribarren: Salmos, villancicos y cantadas. Nova Lux Ensemble de la coral de cámara de Pamplona. RTVE música. [1]
• 2008 – Serpiente Venenosa. Música en las Catedrales de Málaga y Cádiz en el siglo XVIII. Orquesta Barroca de Sevilla y Coro Barroco de Andalucía. Diego Fasolis (director). Con María Espada (soprano), David Sagastume. Almaviva DS 0150
• 2009 – Arde el furor intrépido. Música de la catedral de Málaga en el s. XVIII. Orquesta Barroca de Sevilla. Diego Fasolis. Con María Espada y José Hernández Pastor (contratenor). OBS-Prometeo OBS 01

Bibliografía

• Martín Moreno, Antonio (1985). Historia de la música española 4. Siglo XVIII, Alianza Aditorial edición. 84-206-8504-6.
• Martín Moreno, Antonio (2003). Catálogo del archivo de música de la Catedral de Málaga, vol I y II, Junta de Andalucía edición.
• Sánchez, Marta (1988). XVIII Century Spanish Music Villancicos of Juan Frances De Iribarren, Latin American Literary Review Press edición. 0-935480-26-9. (En inglés)

Enlaces externos

• Artículo “Francés de Iribarren, Juan” de Miguel Ángel Marín en: Grove Music Online. (en inglés – Requiere suscripción)
• Artículo sobre “Juan Francés de Iribarren” en la “Escuela de Música de Sangüesa”: [2]
• Juan Francés de Iribarren en CPDL, la Biblioteca Coral de Dominio Público

Jusepe Ximénez

Jusepe Ximénez, José Ximénez o José Jiménez (n. Tudela, hacia 1601 – † Zaragoza, 9 de agosto de 1672) fue un organista y compositor barroco.

Ximénez probablemente comenzó su carrera musical en Tudela, como su hermano Melchor Ximénez, que se quedó de organista en la ciudad natal.

Jusepe se trasladó antes de 1619 a Zaragoza para convertirse en infante en el coro de la Seo, en Zaragoza, siendo alumno de Aguilera de Heredia. A los dieciocho se convierte ayudante de organista de la Seo a petición de Heredia, tras la muerte de Diego Gascón, que ocupaba el puesto hasta el momento. El prestigio de Heredia permitió que el cabildo aceptara la decisión de elegir al mejor alumno para el puesto y no hacerlo por oposición. En 1625 consigue el puesto a perpetuidad, el mismo año en que se ordena sacerdote.

A la muerte de Aguilera en 1627, y tras ocho años de segundo organista, pasará a ser el organista principal, permaneciendo en el puesto 45 años, hasta su muerte en 1672. Al igual que había ocurrido con Aguilera, Ximénez pudo elegir sucesor, siendo el afortunado su sobrino Andrés de Sola.

La fama de Ximénez llegó a ser tan grande que pudo rechazar en 1654 una oferta para ser organista de la Capilla Real de Madrid. Premios fueron no sólo el poder elegir a su sucesor, sino los periódicos aumentos de sueldo recibidos. Felipe Pedrell dijo de sus composiciones que eran notables, sin saber quien las había compuesto. Incluso la partida de defunción da muestra del aprecio en que se le tenía: «insigne organista y ejemplar sacerdote».

Bibliografía

• Palacios, José Ignacio, Los compositores aragoneses, Zaragoza (2000) ISBN 84-95306-41-7
• Siemens Hernández, Lothar: La Seo en Zaragoza, destacada escuela de órgano en el siglo XVII; Anuario Musical, vol. XXI (1966) y vol. XXIII (1968).
• Calahorra Martínez, Pedro: La Música en Zaragoza en los siglos XVI y XVII. Vol. 1. Organistas, organeros y órganos; Zaragoza, 1977.
• Lloréns, José María: Literatura organística del siglo XVII. I Congreso Nacional de Musicología (Actas); Zaragoza, 1981.

Obras

Se conservan 27 composiciones suyas: 8 obras o tientos, 2 batallas, unas Diferencias sobre las Folías, 8 Pangelingua y un Sacris solemniis, y 6 colecciones de versos para diferentes tonos, en manuscritos del Monasterio de El Escorial y de la Biblioteca de Cataluña.

Destacan en su obra Siete versos de quinto tono y Magníficat.

Ediciones

Completa de toda su obra:

• Appel, Willi: Joseph Ximénez (d. 1678). Collected Organ Compositions; American Institute of Musicology, 1971.

Ediciones parciales:

• Pedrell, F.: Antología de organistas clásicos españoles (siglos XVI-XVIII); Madrid, I y II 1908. Id.: Catàlech de la Biblioteca Musical de la Diputación de Barcelona; 1909.
• Anglés, Higinio: Antología de organistas españoles del siglo XVII; vol. I y II, Barcelona, 1965 y 1966.
• Stella, Carlo, y Vinay, Vittorio: Musiche organistiche inedite del Barrocco Spagnolo; Milano, 1979.
• Rubio, Samuel: Doce Pangelingua para órgano sobre la melodía española; Madrid, 1972.

Grabaciones

• Antología de Música Antigua Aragonesa; vol. I. Jusepe Ximénez. Otra batalla de sexto tono; organista, José L. González Uriol; órgano de La Seo de Zaragoza Movieplay/Chinchecle 23.0070/0
• F-G Hispaniae Musica. Maestros del órgano del siglo XVII. José Ximénez (1601-1672). Batalla de Sexto tono y Pange lingua a 3 sobre tiple, organista, Julio M. García Llovera; órganos de La Seo de Zaragoza y del Emperador de la catedral de Toledo; Archiv Produktion, disco 198.456.

Joaquín Gaztambide

Joaquín Romualdo Gaztambide y Garbayo (n. Tudela, 7 de febrero de 1822 – † Madrid, 18 de marzo de 1870), fue un compositor español del siglo XIX, conocido por sus zarzuelas.

Biografía

Retrato de Joaquín Gaztambide

Inició sus estudios de solfeo en Tudela con Pablo Rubla, maestro de capilla de la Catedral tudelan

En 1834, con tan solo 12 años, es enviado a Pamplona por su tío para estudiar piano y composición con José Guelbenzu y Mariano García. Posteriormente, para atender a su sustento, impartirá clases de solfeo y piano y tocará el contrabajo en la orquesta del teatro.

Insatisfecho con estas actividades que no llenaban sus aspiraciones artísticas, se traslada a Madrid en 1842, donde recibe clases en el Conservatorio de música María Cristina. Profundiza sus estudios de piano con Pedro Albéniz y de composición con Ramón Carnicer; en estas clases conoce a Francisco Asenjo Barbieri, con quien se relaciona íntimamente, amistad que dura toda la vida y fue fecunda para la zarzuela. Para sobrevivir toca el contrabajo en las orquestas de los teatros del Circo, del Príncipe.

En 1845 es director del coro de la compañía italiana del Teatro de la Cruz con la ayuda de su amigo Francisco de Salas. Da conciertos como pianista por provincias, en compañía del profesor de flauta Pedro Sarmiento y el célebre oboísta Pedro Soler. Perteneció también a las orquestas del Teatro del Príncipe y delTeatro del Circo, lo que le sirvió para conocer óperas y tonadillas.

En 1847 viaja a París como director de orquesta de una compañía de actores y bailarines españoles. De vuelta a Madrid (1849), y a propuesta de Baltasar Saldoni, recibe la oferta de dirigir la orquesta del Teatro Español de Madrid (1848). Dirige los conciertos matinales en que participa el afamado violinista Antonio Bazzini. Aunque escribió obras para piano y orquesta, incluyendo ballets y una sinfonía, sus principales esfuerzos en esta época estaban dirigidos al movimiento para revivir la tradición de la zarzuela. Así, pone en práctica las experiencias vividas en París con la ópera cómica y estrena su primera zarzuela, “La mensajera” -género del que fue uno de los impulsores-, cuyo éxito le anima a continuar componiendo.

En 1850 dirige juntamente con Hernando y Barbieri el Teatro de Variedades y el de los Basilios. Fue cofundador de la Sociedad Artística, que fue creada en 1851 para explotar el Teatro del Circo, participando como compositor y director de orquesta. Fue fundador, junto con Eslava, Arrieta y Barbieri, del grupo «La España Musical», dedicado a defender la ópera española

En 1856 entra como socio en la empresa del recién inaugurado Teatro de la Zarzuela de Madrid, de la que, además, será compositor y director. En 1859 viaja a París y Londres. En 1860 dirige funciones de ópera. En 1862 dirige los primeros grandes conciertos que se ofrecen en España, organizados por la Sociedad Artístico Musical de Socorros Mutuos.

El 19 de diciembre de 1863 estrena en el Teatro de la Zarzuela “La conquista de Madrid”, con libreto de Luis Mariano de Larra. En 1865 es contratado como director de orquesta del Teatro de los Campos Eliseos de Madrid. En 1868 es nombrado director y presidente de la Sociedad de Conciertos de Madrid, donde estrenó la obertura de “Tannhäuser”, de Richard Wagner.

En 1869 realiza una gira por Cuba y México con su propia compañía, regresando a principios de 1870 con graves problemas de salud y arruinado económicamente. Fallece a consecuencia de una grave enfermedad hepática al poco de llegar a Madrid.

Entre otras, son célebres sus zarzuelas “La Mensajera” (1849), “El valle de Andorra” (1851), “Catalina” (1854), “Los magiares” (1857)“El juramento” (1858) y “La conquista de Madrid” (1863).

La contribución de Gaztambide al renacimiento del zarzuela fue altamente significativa, pero durante el siglo pasado su trabajo prácticamente ha desaparecido de la escena. De buen gusto italianizante, a la manera de Donizetti, su música, sin embargo, hace uso de los ritmos españoles y canciones populares, y de haber sido su carrera más larga es muy posible que hubiera llegado a ser tan famoso como Barbieri.

Bibliografía

• Ángel Sagardía Sagardía. Gaztambide y Arrieta. Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra. Pamplona, 1983.

Hilarión Eslava

Miguel Hilarión Eslava Elizondo (n. Burlada, 21 de octubre de 1807 – † Madrid, 23 de julio de 1878), fue un compositor y musicólogo español del siglo XIX, gran defensor de la ópera española.

Biografía

Retrato de Hilarión Eslava

Nació en la casa llamada Benitorena. Pastor en su infancia, a los ocho años ingresó en el colegio de infantes de la catedral de Pamplona donde fue niño de coro y violinista. El rector, Mateo Jiménez, le dio las primeras lecciones musicales. Estudió órgano, violín y piano con Julián Prieto, y composición con Francisco Secanilla.

El sitio de Pamplona de 1823, fruto de la guerra civil, obligó a Eslava a suspender sus estudios. Una vez finalizado el sitio recibió lecciones de Julio Prieto y según disponía el maestro de capilla de la Catedral, lo mismo tocaba el órgano, el violín o el contrabajo, como cantaba partes de contralto o tenor, lo que le ayudó a conocer mucha música. En aquella época compuso distintas obras religiosas haciéndose famoso su Motete a ocho voces, orquesta y órgano, destinado a la novena de la Anunciación.

Permanenció durante siete meses en Calahorra, donde completó sus estudios musicales con Francisco Secanilla. Posteriormente, Eslava se trasladó a El Burgo de Osma, donde opositó y en 1828 fue maestro de capilla de la Catedral, que desempeñó durante cuatro años; cursó la asignatura de Filosofía e inició la carrera eclesiástica, ordenándose de diácono.

Se traslada a Sevilla, donde se ordena sacerdote, celebrando su primera misa en el convento de la Encarnación,  y en 1834 figura como maestro de la Real Capilla. Durante su estancia en Sevilla estrenó algunas obras de carácter secular entre la que se destaca el Miserere, de interpretación anual en esta ciudad andaluza y con la colaboración de famosos divos (Julián Gayarre lo cantó varias veces). Diversos acontecimientos políticos privaron de sus rentas al Cabildo, redujeron sensiblemente la prebenda de Eslava, quien, para poder subsistir, tuvo que abordar el teatro lírico.

En dicha época escribe las óperas Las treguas de Tolemaida, El solitario y Don Pedro el Cruel (textos de Téllez, Lope de Vega y Calderón), representadas en Sevilla, Cádiz, en otras capitales y en los teatros de la Cruz y Circo, de Madrid, entre 1841 y 1844. La producción dramática de Eslava, que se halla en completo olvido y a la que algunos apasionados biógrafos atribuyeron importancia excesiva, proporcionó a su creador algunos ingresos, aplausos y fama, pero también disgustos y sinsabores, pues el Cabildo encontraba mal aquella actividad, y los críticos no estaban de acuerdo al enjuiciar las óperas, pues unos las encontraban llenas de misereres, salmos, etc., y otros colmadas de polos y tiranas.

En 1844 viaja a Madrid donde es también maestro de capilla de la Capilla Real de Madrid. Allí pudo consagrarse exclusivamente a producir páginas sacras y a la enseñanza, abandonando el género teatral. En 1854 es nombrado profesor de composición del Conservatorio de Madrid, centro que en 1866 pasó a dirigir, donde realizó importantes mejoras en el Centro de enseñanza; una de ellas fue fundar la cátedra de órgano, que él mismo regentó gratuitamente hasta que le asignaron consignación.

Fue fundador, junto con Arrieta, Gaztambide y Barbieri, del grupo «La España Musical», dedicado a defender la ópera española. Sus obras denotan la influencia italiana y está considerado uno de los pocos auténticos músicos románticos españoles.

Compuso más de treinta óperas (entre las que se encuentran “El solitario” (1841) y Las treguas de Tolomaida (1842)), algunas obras sinfónicas (Sinfonía fantástica, la cantata La guerra de África,…), y más de 140 composiciones religiosas entre las que hay, entre otras muchas piezas, ocho Misas, Oficio de difuntos, Te Deum, varios motetes, catorce Lamentaciones, seis Salve Regina y tres Stabat Mater. Una de sus obras más conocidas es El Miserere de Sevilla o Miserere que aun se interpreta anualmente el Sábado de Pasión en Sevilla.

Es autor de “Lira Sacro hispana” (1869), antología en siete volúmenes de la música religiosa española de los siglos XV y XVI. Así mismo, fue autor de obras de carácter pedagógico, como su “Método de Solfeo” (1846), que ha sido utilizado durante más de un siglo como material de enseñanza, “Método completo de solfeo sin acompañamiento”, “Tratado tercero de la melodía y discurso musical” (1871), “La Escuela completa de armonía y composición”, integrada por los tratados de Melodía, Armonía, Contrapunto y Fuga e Instrumentación.

Realizó otros trabajos de importancia como: Lira Sacro Hispana (siete volúmenes que reúnen una selección de obras de nuestros más grandes maestros del pasado), Museo Orgánico Español y Breve memoria histórica de los organistas españoles. Fundó y dirigió la revista “Gaceta Musical”. En 1873, al crearse la Sección de Música en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, constituida por 12 académicos, ingresó en ella Eslava, así como los navarros Emilio Arrieta y Juan Guelbenzu.

Sufrió una pulmonía en 1871 y de resultas de ella su salud se quebrantó; siete años después expiró en Madrid, en su domicilio de la calle de San Quintín, número 8.

Sus restos yacen en el atrio de la iglesia parroquial de su localidad natal.

Bibliografía

• José Enrique Ayarra Jarne. Hilarión Eslava en Sevilla. Diputación Provincial de Sevilla. Servicio de Publicaciones. Sevilla, 1979.
• Leocadio Hernández Ascunce. Estudio Bio-Bibliográfico de Hilarión Eslava. Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra. Pamplona, 1978.
• VV.AA. Monografía de Hilarión Eslava. Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra. Pamplona, 1978.
• Karmele Saint Martin. Don Hilarión Eslava. Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra. Pamplona, 1973.

En Pamplona existe la calle Hilarión Eslava en su recuerdo y honor

Sebastián Albero

Sebastián Ramón de Albero y Añanos (n. Roncal, 10 de junio 1722 – † Madrid, 30 de marzo 1755), fue un clavecinista y compositor español.

Portada de una grabación de obras de Sebastián Albero

Primer organista de la capilla real entre 1748 y 1756 y músico de cámara del rey Fernando VI. Se conservan treinta sonatas para clave, que fueron publicadas en 1978 en Madrid junto con otras obras tripartitas (recercata, fuga y sonata) para teclado.

Biografía

Hijo de Antonio Albero y Francisca Añanos, Sebastián de Albero residió en Pamplona entre 1734 y 1739, en casa del músico tudelano Francisco de Alba, ingresando en 1734 en el coro de infantes de la Catedral de Pamplona, a una edad ya tardía, lo que ha hecho suponer que contara con una formación musical anterior; allí permaneció hasta 1739 ampliando sus conocimientos con el maestro de capilla de la catedral Miguel Valls y su sucesor Andrés de Escáregui, así como con Francisco de Alba, profundizando en el estudio de la música para tecla y la composición. En su etapa final, al igual que los demás jóvenes que habían experimentado el cambio de voz, estuvo como mozo de coro colaborando en diversas tareas musicales de la catedral.

Del período 1739 a 1746 no se tienen apenas noticias, salvo que durante un corto periodo de tiempo recibió clases del organista José Elías, que su vez se había formado con Cabanilles, lo cual explica su conocimiento del teclado tradicional español.

Posteriormente, se tiene constancia de que en 1746 consiguió el cargo de organista de la Capilla Real de Madrid -cargo que compartió con otros dos organistas de gran talla, José de Nebra y Joaquín de Osinaga-, cuya actividad básica la constituía proporcionar música para el rey Fernando VI, a quien dedica sus Obras para clavicordio y pianoforte. Allí trabaría contacto con excelentes compositores, como José de Nebra y Domenico Scarlatti, que era maestro de música de la esposa de Fernando VI, María Bárbara de Braganza. Algunos musicólogos afirman que Albero fue discípulo de Scarlatti; otros ven entre ellos cierta rivalidad, pero realmente existió una influencia muta entre sus carreras.

Grupo de jóvenes ataviadas con el traje típico roncalés. Al fondo, el pueblo de Roncal, villa natal de Sebastián Albero.

Muere en 1755 a la temprana edad de treinta y tres años dejando una escasa pero magnífica obra para teclado que representa una de las cimas de la escuela española de clavecín del siglo XVIII.

Durante su estancia en Madrid no perdió el contacto con músicos navarros. En su boda con María Ángela de la Calle, entre los testigos figuran Manuel de Lana y Fernando Lacunza, ambos infantes en la catedral de Pamplona como él.

Obras

Según Genoveva Álvarez, las sonatas de Sebastián de Albero muestran una melancolía que preludia a Chopin, lo que le caracteriza como un precursor del estilo melancólico o sentimental.

En su obra pueden señalarse influencias francesas debidas probablemente a su etapa navarra, donde la influencia de la música del país vecino era patente, especialmente en sus recercatas. Sin embargo, el carácter de su obra para clave es típicamente español, con sus estilemas propios de frecuentes cambios de modo, ritmo y constantes modulaciones muy incisivas.

Su obra se conserva en dos manuscritos:

• Treinta sonatas para clavicordio, conservado en la Biblioteca Marciana de Venecia. En ellas se aprecia una atrevida invención armónica, con continuos cambios del modo mayor al menor. Se observa asimismo la presencia de elementos pertenecientes a las escalas frigias, y los saltos repentinos a otra tonalidad, rasgos todos ellos habituales en la música española de teclado de este siglo y quizá también propio de los gustos de la familia real, puesto que aparecen también en las sonatas de Domenico Scarlatti.
• Obras para clavicordio o pianoforte, Seis obras contenidas en un manuscrito dedicado a Fernando VI conservado en la biblioteca del Conservatorio de Madrid. Se trata de obras con estructura tripartita de recercata, fuga sonata.

Referencias

• La música para tecla española del siglo XVIII.
• Sebastián de Albero en «Early keyboard music».

Pablo Sarasate

Pablo Sarasate Navascués (n. Pamplona, 10 de marzo de 1844 — † Biarritz, Francia, 20 de septiembre de 1908), fue un violinista y compositor español de fama internacional, considerado, junto a Niccolò Paganini, como el mejor concertista de su instrumento.

Biografía

Pablo Sarasate, bautizado como Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascués, nació del matrimonio formado por el músico militar Miguel Sarasate Juanena y de Javiera Navascués Oharrechena.

Niño precoz e hijo de padres conscientes del futuro de su hijo, toma lecciones de violín, debutando a la edad de 7 años en La Coruña.

Estudió en Santiago de Compostela entre 1846-1849 con José Courtier, primer violín de la Catedral y profesor de la Escuela de Música de Santiago de Compostela.

Se traslada a Pontevedra en 1852 donde continúa sus estudios musicales con el músico local Urbano Casasvellas. Es asiduo de los ensayos de la banda del Regimiento de Aragón que dirige su padre.

La Condesa de Espoz y Mina le concedió una pensión para estudiar en Madrid. Una vez en la capital de España, la Reina Isabel II le concede una beca para ampliar sus estudios en París, a donde se traslada en 1856, ingresando en el Conservatorio de París bajo la tutela de Jean-Delfin Alard. En dicho viaje a París, al pasar por la localidad de Biarritz, donde él y su madre enferman y fallece su madre, lo cual deja huérfano al pequeño Pablo.

En 1857 obtiene el Premio de Violín del Conservatorio de París, y dos años después comienza su carrera de concertista que lo llevará por toda Europa y América.

Gana premios, destaca en sus lecciones y enseguida es premiado y reconocido como el gran concertista que fue.

Trayectoria

Pablo Sarasate

El rápido éxito que obtuvo como ejecutante le hizo abandonar sus estudios de armonía y composición. Viajó por toda Europa dando conciertos. También fueron frecuentes sus desplazamientos a América del Norte y Sudamérica.

Según la prensa de la época, sus conciertos y recitables fueron memorables. Fue poseedor de dos violines Stradivarius, uno regalado por la reina Isabel II de España y adquirido a Jean Baptiste Vuillaume, y otro comprado a Gand y Bernardel.

Su formación musical y el espíritu de triunfo lo mantuvieron activo hasta su muerte. Según las críticas y crónicas de la época su fuerza radicaba más en la sutileza de interpretación que en el fuego temperamental, aunando ataque, pasión, flexibilidad y una facilidad natural para el violín. Su técnica de la mano izquierda fue también famosa así como la velocidad de ejecución. Arrancaba el más hermoso sonido que pueda esperarse del violín, sin mostrar el enorme esfuerzo.

En su testamento, Sarasate cedió su violín Stradivarius y 25.000 francos al Conservatorio de Madrid para la organización de un premio que llevara su nombre y que terminaría convirtiéndose en el Premio Nacional de Violín.

Le fueron dedicadas numerosas obras de importantes compositores contemporáneos, como la Sinfonía Española de Eduard Lalo, el Concierto No. 3 para violín y orquesta de Camille Saint-Saëns y muchas otras importantes joyas del repertorio del instrumento.

Falleció en su casa de “Villa Navarra” en Biarritz, Francia, el 20 de septiembre de 1908, a consecuencia de una angina de pecho, a los 64 años de edad.

Está enterrado en un gran mausoleo en el centro del Cementerio de San José-Berichitos, de Pamplona, donde cada día 1 de noviembre, la corporación municipal de Pamplona, acude al cementerio a colocar una corona de flores en su sepultura y hacerle homenaje musicales y demás.

Pamplona – Monumento a Sarasate

Los conservatorios de Pamplona, de grado medio y superior, llevan su nombre: Conservatorio Navarro de Música Pablo Sarasate.

Así mismo, en su memoria y honor, uno de los principales paseos de Pamplona lleva su nombre: el Paseo de Pablo Sarasate. Y en el parque de la Media Luna nos encontramos con un conjutno escultórico en su recuerdo: Pamplona a Sarasate, inaugurado en 1959

Sarasate compositor

La actividad de Pablo de Sarasate como compositor escapa a la leyenda, puesto que hoy en día sus obras están a disposición de todos quienes lo deseen.

Por el grado de dificultad técnica de las piezas de su catálogo se adivina que los elogios debieron ser sinceros, ya que no hubiera compuesto lo que él mismo no se atreviera a tocar con propiedad y brillantez.

Una constante en sus obras es la presencia del folklore español, destacando las jotas navarras y zortzikos vascos como punto de partida y como principal elemento rítmico y melódico.

Entre sus obras más populares figura la Fantasía sobre Carmen de Bizet Opus 25, Aires gitanos, opus 20, y una serie de piezas con fuerte inspiración folclórica española como la Malagueña n.º 1 opus 21, Habanera n.º 2, opus 21, Romanza Andaluza opus 22, Zapateado opus 23, Capricho Vasco, opus 24.

Catálogo de obras

Pablo Sarasate tocando el violín

Opus Composición Instrumentación

— Fantasía Capricho Violín & piano

— Souvenir de Fausto Violín & piano

— Mazurka Mi Violín & piano

1 Fantasía de La forza del destino Violín & piano

2 Homenaje a Rossini Violín & piano

3 La dame blanche de Boildieu Violín & orquesta

4 Réverie Violin & piano

5 Fantasía de Romeo y Juliette Violín & piano

6 Caprice on Mireille Violín & piano

7 Confidences Violín & piano

8 Souvenir de Domont Violín & piano

9 Les Adieux Violin & piano

10 Sérénade Andalouse Violín & piano

11 Le sommeil Violín & piano

12 Moscoviènne Violín & piano

13 Fantasía de Fausto Violín & orquesta

14 Fantasy on Der Freischütz Violín & orquesta

15 Mosaíque de Zampa Violín & piano

16 Gavota on Mignon Violín & piano

17 Priére at Berceuse Violín & piano

18 Airs espagnols Violín & piano

19 Fantasy on Martha Violín & piano

20 Zigeunerweisen Violín & orchestra

21 Malagueña y Habanera Violín & piano

22 Romanza andaluza y jota navarra Violín & piano

23 Playera y zapateado Violín & piano

24 Capricho vasco Violín & piano

25 Fantasia de Carmen Violín & orquesta

26 Vito y habanera Violín & piano

27 Jota aragonesa Violín & piano

28 Serenata andaluza Violín & piano

29 El canto del ruiseñor Violín & orquesta

30 Bolero Violín & piano

31 Balada Violín & piano

32 Muñeira Violín & orchestra

33 Navarra Violín & orchestra

34 Airs Écossais Violín & orchestra

35 Peteneras, caprice espagnol Violín & piano

36 Jota de San Fermín Violín & piano

37 Zortzico Adiós montañas mías Violín & piano

38 Viva Sevilla! Violín & orquesta

39 Zortzico de Iparraguirre Violín & piano

40 Introduction et fandango varié Violín & piano

41 Introduction et caprice-jota Violín & orquesta

42 Zortzico Miramar Violín & orquesta

43 Introduction et tarantelle Violín & orquesta

44 La chase Violín & orquesta

45 Nocturno — Serenata Violín & orquesta

46 Gondoliéra Veneziana Violín & piano

47 Melodía rumana Violín & piano

48 L’Esprit Follet Violín & orquesta

49 Canciones rusas Violín & orquesta

50 Jota de Pamplona Violín & orquesta

51 Fantasia on Don Giovanni Violín & piano

52 Jota de Pablo Violín & orquesta

53 La Rève Violín & piano

54 Fantasía de la flauta mágica Violín & orquesta

55 Zapateado Guitarra

Grabaciones

Entre 1903 y 1904 Pablo de Sarasate realizó algunas grabaciones para la compañía británica “The Grammophone & Typewritter Limited” con respaldo de pianistas, cuyos nombres no fueron registrados. Éstas se realizaron sobre cilindros de fonógrafo, aún vigentes en ese momento, los cuales fueron transcritos a discos, posteriormente usando técnicas mecánico-acusticas.

Al final de las ejecuciones en estos discos, fue grabada la nota “La” natural, de 440 Hz, probablemente por el técnico que realizó la transcripción, mediante una armónica de afinación ya que este tono no aparece en los cilindros grabados. Probablemente, esta costumbre se debiera a la falta de normas en esos tiempos en cuanto a la velocidad de grabación y reproducción en las máquinas cortadoras de discos maestros y gramófonos acústicos, respectivamente. Este tono permitiría fijar la velocidad de reproducción a la misma velocidad de grabación.

En la actualidad, subsisten 10 sesiones de grabación del violinista, que pudiesen haber constituído toda su producción. La tabla que, a continuación se muestra, detalla las grabaciones existentes, en formato de discos:

Título	Autor	Número de Catálogo	Número de Matriz
Caprice Basque (Capricho Vasco) Opus 24	Pablo de Sarasate	GC-37929	4262o
Zigeunerweisen Pt.1 (Aires Gitanos, 1ª Parte) Opus 20	Pablo de Sarasate	GC-37930	4263o
Partita No. 3 BWV1006: Prélude (Preludio)(*)	Johannes Sebastian Bach	GC-37931	4258o
Caprice Jota (Capricho Jota) Opus 41	Pablo de Sarasate	GC-37932	4259o
Tarantelle (Tarantela) Opus 43	Pablo de Sarasate	GC-37933	4260o
Miramar “Zortzico”	Pablo de Sarasate	GC-37934	4261o
Zigeunerweisen Pt.2 (Aires Gitanos, 2ª Parte) Opus 20	Pablo de Sarasate	GC-37935	4264o
Habanera Opus 21, No. 1	Pablo de Sarasate	GC-37936	4265o
Zapateado Opus 23, No. 2	Pablo de Sarasate	GC-37937	4266o
Nocturne en Mi Bémol (Nocturno en Mi bemol) Opus 9, No. 2	Frederick Chopin	GC-37938	4267o

(*) Sin acompañamiento

Bibliografía

• Altadill, Julio Memorias de Sarasate. (Imprenta de Aramendía y Onsalo) Pamplona, 1909.
• Caycedo H., Andrés Sarasate y su tiempo. Secretaría de Cultura, Gobierno de Carabobo. Valencia (Venezuela), 1992.
• García Iberni, Luis Pablo Sarasate. Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Madrid, 1994.
• Huarte Myers, Alberto Pablo Sarasate. Vuestro amigo y paisano Pablo Sarasate (Correspondencia). Pamplona, 1996.
• Molins Mugueta, José Luis y Urricelqui Pacho, Ignacio J. Artistas en homenaje a Sarasate : el álbum de Roma 1882 Ayuntamiento de Pamplona, 2009
• Pérez Ollo, Fernando Sarasate. Fondo de Publicaciones del Gobierno de Navarra. Pamplona, 1980.
• Platón Meilán, Custodia Pablo Sarasate (1844-1908). Eunsa, Ediciones Universidad de Navarra, S.A. Barañáin, 2000.
• Sesma Urzaiz, Fernando Soy Pablo Sarasate Gobierno de Navarra. Fondo de Publicaciones, Pamplona, 2008

Enlaces

• Pablo Sarasate en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales.
• Centenario Pablo Sarasate 1908 – 2008
• Pablo Sarasate y su mundo musical, artículo publicado en Sinfonía Virtual, revista musical
• Sarasate y el violin
• Zapateado de Sarasate por Pablo Sarasate (grabado en 1903/1904)
• Esther Kim tocando Zapateado de Pablo de Sarasate
• Centenario de la muerte de Pablo Sarasate (1844-1908)